Se afișează postările cu eticheta ...Receptări cinefile ieșene. Afișați toate postările
Se afișează postările cu eticheta ...Receptări cinefile ieșene. Afișați toate postările

duminică, 4 noiembrie 2012

Receptări cinefile ieşene - "După dealuri" (Cristian Mungiu)

Fragmente dintr-un e-mail-at schimb de mesaje între doi prieteni cinefili. 

Ştefan Abageru: Am văzut “După dealuri”.
Dan Mititelu: Păi, zi ceva.
Ş. A.: Îţi scriu acum.
D. M.: Crezi că este pro sau anti Biserică?
Ş. A.: Aştept textul geamăn textului meu.
D. M.: Geamăn, dar mai mititel. Ar fi fain să ne punem împreună opiniile în blogurile noastre. Azi-mâine. Doar ca un dialog e-mail-at şi nu cu pretenţia de cronicăcultă comună.
Ş. A.: Dă-mi răgaz până diseară şi le publicăm. Sunt multe de spus.
D. M.: E gata pre-textul.

Ştefan Abageru:
Am văzut şi sper că am reuşit să şi văd filmul “După Dealuri” al lui Cristian Mungiu, după ce vreme de jumătate de an l-am aşteptat, evitând să citesc între timp articole de presă, recenzii şi interviuri ce făceau referire la el.

Mi-a plăcut mult realizarea filmului. Scenele lungi, filmatul extrem de intim şi de apropiat de actori, scenariul bine scris şi mai ales jocul actorilor constituie un deliciu din punct de vedere cinematografic. M-a impresionat Cosmina Stratan în rolul Voichiţei. Mi s-a părut extrem de puternică în a menţine tensiunea şi trăirea interioară exprimate în scene foarte complexe (cum ar fi scena anchetei).

Filmul debutează cu îmbrăţişarea fetelor şi cu inscripţia de la intrarea în mânăstire, inscripţie ce pune o tensiune asupra privitorului.
Mai apoi, uiţi de inscripţie în derularea faptelor, dar ţi-o aminteşti la final, când camera se deplasează agonizant de încet spre în afară, către două indicatoare de mânăstiri aflate după intersecţie, unul arătând spre stânga şi unul spre dreapta.

M-au impresionat desele referiri la Treime. Sunt multe, multe, multe scene în care apare sugestia Treimii. Fie că privim trei lumânări, trei oameni la o masă ori trei fotografii pe un perete. Întâmplător sau nu, aceste sugestii dispar în momentul în care Alina este legată de targa improvizată. Ce înseamnă această obsesie din prima parte, eliminată în a doua? Am înţeles-o ca pe o metaforă cu privire la existenţa pământească a Alinei. Dumnezeu este alături de ea în toate întâmplările iar Treimea dispare din film în momentul în care Alina se îndepărtează de Dumnezeu şi nu invers. Motivele depărtării de Dumnezeu ne duc evident la discuţia: Boală sau Posedare? Răspunsul nu mi se pare important, decât dacă dorim să intrăm în polemici sterile.

În 99% din cazuri oamenii ce vor discuta aceste ipoteze vor avea sisteme diferite de referinţă. Adică unii deja cred în existenţa duhurilor rele iar alţii nu cred. Şi atunci discuţia e sfârşită din start. Sintagme întâlnite prin cronici, precum “măicuţe satanice”, mă fac să consider că ar trebui să existe măcar patru întrebări obligatorii la orice început de discuţie despre acest film. Crezi în Dumnezeu? Crezi în existenţa duhurilor rele? Mai există acestea şi astăzi? Dumnezeu poate face ceva împotriva acestor duhuri? Şi o discuţie ar trebui să se nască doar atunci când răspunsurile celor doi oameni la toate aceste întrebări coincid. Fie că spui “Da” la toate, fie că spui “Nu” la măcar una este o problemă de credinţă, iar credinţa nu se naşte din discuţii şi argumente.
Alina mi se pare un om chinuit şi inadaptat, dornic de iubire şi de linişte. Nu ştiu dacă inadaptarea vine din lucrarea unor duhuri (în a căror existenţă cred) şi nu am competenţa de a emite nici o ipoteză în acest sens.

Cred că filmul încearcă să fie echidistant în problematica pro/anti-Biserică.
Până la urmă nimeni nu o înţelege pe Alina, fata din Germania. Ea este pierdută fără Voichiţa şi de asta revine în ţară. Este un copil crescut la orfelinat care nu ştie de iubire decât atunci când e legată de Voichiţa.
Cei din jur nu o înţeleg. Medicii o dopează cu pastile, călugăriţele o tratează ca pe o străină iar preotul o judecă pe alocuri puţin cam mult pentru poziţia de păstor în care ar trebui să se afle. Voichiţa o înţelege doar parţial, întrucât, cu ani in urmă, amândouă au plecat din acelaşi loc, atât fizic dar mai ales sufletesc.

În trecut, cele două au plecat de la cămin: una dintre ele în Germania, pentru a-şi căuta liniştea materială şi sufletească, cealaltă, la mânăstire, pentru a-şi căuta liniştea sufletească şi materială. După o vreme, cele două se reîntâlnesc. Alina este zbuciumată, fără un loc bine definit, fără nici o perspectivă şi se întoarce precum un fiu risipitor acolo unde ştia că a găsit liniştea cu ani în urmă. Voichiţa este împăcată cu sine şi cu munca la mânăstire, este liniştită în relaţia sa cu Dumnezeu şi de aceea o poate primi pe Alina fără rezerve, fără supărare sau reproşuri.

După venirea Alinei, între ea şi toţi ceilalţi apare falia în comunicare. Alina se simte neînţeleasă şi se închide în sine, refuzând un dialog. Se întoarce poate în copilărie, într-o perioadă în care ai reacţii scurte şi instinctuale. Stă, priveşte îndelung, observă, apoi reacţionează brusc. Uneori, agresiv, dar nu violent (vezi scena când îi spune ceva călugăriţei care se plânge apoi Voichiţei). Singura la care mai reacţionează pozitiv este Voichiţa pe care încearcă în continuu să o convingă să plece, ignorând viaţa acesteia de la mânăstire şi alegerea pe care o făcuse cu ani în urmă.

Nu mi se pare un film anti-Biserică, dar nici un film pro-Biserică. Nu este un film anti pentru că nu aruncă vina exclusiv pe călugăriţe şi preot. Nu este un film pro pentru că nu aruncă vina exclusiv pe medici, familia Alinei, poliţişti ori societate.

Cred că filmul vrea să ne transmită că lipsa unui dialog real duce la situaţii de genul acesteia. Oamenii, fie preoţi, fie medici, fie poliţişti, fie privitori dintr-o sală de cinema, se apleacă prea puţin către nevoile omului de lângă ei, iar viaţa de zi cu zi le răpeşte energia şi capacitatea de a fi Oameni. Medicii sunt grăbiţi în a eticheta boli şi pacienţi pentru a reveni la treburile personale, poliţiştii discută despre tot felul de probleme personale în timp ce muncesc, iar oamenii din sală ronţăie popcorn şi sorb cu poftă dintr-un pahar cu băutură acidulată. Un exemplu concludent este scena anchetei din final. Când călugăriţele şi preotul spun clar că nu i-au dorit fetei răul ci au făcut ce s-au priceput mai bine ca să o vindece, poliţistul afirmă simplu: “e nasoală treaba”.

Dacă facem un raport prin prisma dialogului între oamenii de la mânăstire şi cei din societatea laică, atunci putem considera filmul ca fiind uşor pro-Biserică.
Oamenii din societate sunt mai reci şi mai impersonali, pun etichete mai repede, se mişcă mai rapid către vieţile lor personale şi mai departe faţă de cei din jur.
La mânăstire sunt de asemenea lucruri ce pot fi catalogate drept negative cum ar fi mica bârfă, privirile ce te îngheaţă sau discuţiile despre bani. Cu toate acestea, între cei de acolo apar dese momente în care oamenii se privesc în ochi şi în suflete. Voichiţa este un exemplu în acest sens. Încearcă în permanenţă să ofere ajutor, înţelegere şi să constituie astfel un sprijin pentru toţi cei din jur.

Îmi închei opiniile abrupt, la fel cum se termină însuşi filmul, al cărui sfârşit a la Antonioni mult mi-a plăcut.
Domnul Saint Exupery spune undeva că “limpede nu vezi decât cu inima, deoarece miezul lucrurilor nu poate fi văzut cu ochii”. Sper ca toţi cei care vor vedea filmul să reuşească să facă acest lucru cu inima şi nu cu ochii. Şi, poate, să îl şi vadă.

Dan Mititelu:
Am privit filmul cu inima cât un purice, fiindu-mi teamă că va încălca vreo învăţătură a Bisericii din cele cunoscute mie. Slavă Domnului, după mintea mea, totul este foarte corect. După Tipicul bine temperat.

Cu voia Celui de Sus, fata moare datorită duhurilor rele, care, nu doar teoretic, există. În pronia divină acest fapt este posibil. Nu şi în medicina ori filosofia contemporană. Sufletul ei este mântuit. De trup să aibă grijă morţii-vii.
Nota bene: “Au nu se vând două vrăbii pe un ban? Şi nici una din ele nu va cădea pe pământ fără ştirea Tatălui vostru” (Matei 10:29).

Jocul actorilor este impecabil. Sunt mân(t)uiţi cu siguranţă. Detaliile scenariului, cadrelor şi montajului au fost gândite şi planificate ca într-un excelent film poliţist. Regizorul a lucrat ca un expert în incizii, fiind parcă un cardio-chirurg consiliat de un ieromonah.

Filmul are legătură cu (ne)cazul de la Tanacu tot atât cât are de a face un film plin de gladiatori cu istoria Romei. Adică e numai un pretext, fără pretenţia unei reconstituiri istorico-documentare. Ba, poate, chiar dimpotrivă. Nu este bântuit de nici o idee preconcepută sau inoculată. Pare scris cu o aripă de înger, cu multă delicateţe, discreţie dar şi fermitate.

Aşadar, mi-a plăcut mult aşa dar. Cred că e cel mai copt şi bun film de până acum al lui Cristian Mungiu, aflat, să nu uităm, fizic şi statistic, abia în prima pătrime a carierei sale de cineast. După vizionare, i-am spus la urechea stângă, în şoaptă, să nu audă duşmanii, că i-a reuşit cel mai apropiat film de Iisus din cinematografia noastră. Chiar asta cred.

Din păcate, şi la propriu şi la figurat, 90% din cei care îl vor vedea nu îi vor înţelege sensul, pentru că nu mai au legătură cu Hristosul şi Crucea Sa ce alungă demonii. Va fi criticat şi din stânga şi din dreapta scenei. Am citit deja nişte cronici atât de trist elucubrante încât m-am întrebat dacă am văzut cu toţii acelaşi film.

Occidentalii lor nu pricep nimic din duhul ortodox, ierarhia noastră nu va putea să recunoască public, pentru a nu a fi acuzată de bigotism medieval, că dracii lucrează şi astăzi, chiar mai abitir decât pe vremea lui Ştefan cel Mare şi Sfânt, iar criticilor de artă le lipsesc instrumentele mistice de judecată a realului înconjurător. Cei care îl vor lăuda o vor face crezând că-şi îndeplinesc menirea – eventual şi sarcina retribuită – de a lovi în Biserică şi în aşa-zisul ei bigotism.

Cristian Mungiu a reuşit performanţa de a face un film pur ortodox cu bani de la “occidentalizaţii” noştri, masoni şi/sau atei. Probabil, ruşii neimplicaţi politico-jurnalistic îl vor digera cum se cuvine. Ca un film de ficţiune ce prezintă o parte dintr-un real tangibil.

Filmul va suci pe toată lumea sensibibiloasă şi, în cel mai bun caz, va naşte dezbateri doctrinaro-bio-psiho-sociale despre un “enigmatic” păcat pomenit în acţiune: malahia.
Puţin să-i pese regizorului. După acest film al său, Cristian Mungiu cred că are un nou Prieten. Cel cu Adevărul şi Calea.

Ştefan Abageru:
M-a bucurat mult să îl văd pe Cristian Mungiu în paginile de mai jos şi să îmi dau seama că nici eu nici tu nu am fost pe dealuri vorbind despre film.
Cine ştie, poate reluăm discuţia despre procentele acelea.

[Interviu]
[Comentarii şi dialog]

vineri, 27 ianuarie 2012

Receptări cinefile ieşene - cartea "Filmul surd în România mută"

*** Ştefan Panţiru:

Filmul surd în România mută, de Cristian Tudor Popescu


Trecând de curând pe la Cărturești și verificând și secțiunea de filme, am descoperit noua carte a lui Cristian Tudor Popescu, "Filmul surd în România mută". Nu știam că CTP scrie despre filme, dar acuma că am citit-o, pot spune că o face foarte bine. Spre deosebire de alte cărți din colecția Cinema de la Polirom (iată, o editură de la noi din Iași cu inițiative deapreciat), "Filmul surd..." nu este o colecție de articole (cum este cartea lui Andrei Gorzo, de exemplu), ci un studiu coerent într-o formă academică. Adică are un scop, o argumentare și concluzii, iar stilul este, în mare, obiectiv.

Ce își propune cartea? "Analiza raporturilor dintre filmulromânesc de ficțiune și propaganda politică în perioada1912-1989". A se observa că nu este vorba doar de perioada comunistă, ci deîntreaga istorie a cinematografiei româneștide până la 1989, deci include și filmul"Independența României". 

Practic, cartea urmărește felul cum se reflectă deciziile politice în film, și care sunt legile scrise și nescrise al cinematografiei, împărțind istoria de până la 1989 în câteva etape mari: perioada de dinainte de 23 august 1944, perioada Dej, începutul epocii Ceaușescu, perioada de după tezele din iulie 1971, perioada anilor '80. Astfel, descoperim că în România, contextul istoric a influențat mai mult filmul decât au făcut-o diferitele curente artistice. Producția autohtonă, urmând modelul stalinist, a fost puternic standardizată și cenzurată astfel încât e nevoie să analizăm cadre individuale ca să descoperim un dram de creativitate artistică.

Un exemplu de acest fel este "Erupția" (Liviu Ciulei,1957), care deși "înecat într-opropagandă groasă" are o secvență de deschidere atipică, specifică mai degrabă lui Antonioni, cu o atmosferă apăsată post-industrială în care o femeie înmănușată" care nu arată deloc a tovarășă muncitoare cu simț de răspundere "își potrivește ochelarii de soare. Pare banal astăzi un astfel de cadru, dar în 1957 el încălca mai multe reguli impuse de partid: mișcarea neîntreruptă cu sens, absența tăcerii și faptul că tot ce se întâmplă pe ecran trebuie să poarte un mesaj politic. Însă, neașteptat, acest film a trecut decenzură. Motivul? Femeia din cadru era Lica Gheorghiu, fiica"conducătorului iubit" din acea perioadă, Gheorghe Gheorghiu-Dej.

Astfel de descoperiri și asocieri fac lectura interesantă atât pentru cinefili, cât și pentru cei preocupați de istorie. Păcat că în loc de rememorare suntem nevoiți să facem autopsia cinematografiei românești de aproape un secol, din întreaga perioadă alegând cu greu câteva filme decalitate. Dar cartea merită citită tocmai pentru că e vorba de propagandă și manipulare în film ceea ce e interesant, deși e trist.

duminică, 6 noiembrie 2011

Receptări cinefile ieșene - "Buddha prăbușit" (Hana Makhmalbaf)

***Daniela Abageru:

Samira și Hana. Fiicele lui Makhmalbaf, regizor iranian din generația lui Abbas Kiarostami. Două puncte de vedere venite dintr-o lume în care condiția femeii este una derizorie la nivel de libertate de manifestare, pentru că religia delimitează clar un statut imposibil de pus sub semnul întrebării. Totul este dureros resimțit de generațiile aflate în plină creștere, victime adiacente și iremediabil afectate de faptele celor mari.

Buddha prăbușit (Buda as sharm foru rikht)(2007) - regie: Hana Makhmalbaf

Bahtai. Curiozitate în verde și galben. Fetița de 6 ani vrea să învețe să citească așa cum face băiatul vecinilor și, în ciuda faptului că lumea celor mari are reguli greu de înțeles, ea se încăpățânează să își atingă scopul. Bahtai nu vede că femeile nu au drept la cunoaștere, că sunt dependente de voința bărbatului, că nu li se permite să învețe, pentru că nu le este necesar în viața destinată prin naștere, că libertatea este un cuvânt abstract ce se izbește iremediabil de cortina extremistă a musulmanilor fundamentaliști și că societatea de oameni pașnici și religioși din care face parte este redusă la tăcere de o minoritate ce-și impune prin forță legile imuabile ale cuvântului sfânt transformat în bici de ordine și de morală interpretată uman. Filmul este plin de metafore (barca de hârtie ce călătorește pe râu, ghidând-o pe Bahtai, groapa-capcană în care cade Abbas, armele false, dar violența nedisimulată, caietul jefuit sistematic de foile sale, rujul ca obiect al păcatului, orele în aer liber, ploaia de fân din final), de antagonisme, de un ireconciliabil absurd (băieții copie când pe talibani, când pe americani, ilustrând practic toată confuzia spre care se îndreaptă în devenirea lor).

Locul unde a fost filmat este Bamyan - aici a existat o antică statuie imensă a lui Buddha, pe care talibanii au distrus-o pentru că nu acceptau în preajmă semne ale altor religii (chiar dacă în zonă nu exista niciun budist), iar istoricii consideră că, dacă ar fi fost încă în picioare, ar fi reprezentat, probabil, una din minunile lumii moderne. Filmul debutează cu o secvență de documentar ce surprinde distrugerea statuii și infiltrarea fricii în conștiințe, coborâtă până în straturile fragede: copiii învață prin procedeul mimetismului și lumea celor mari este oglinda lor de referință, iar băieții ce se comportă ca talibanii și o pedepsesc pe Bahtai nu sunt decât victime ale expunerii la un comportament lipsit de toleranță pe care îl preiau ca model de putere și de afirmare. Filmul nu este o poveste pur și simplu, ci îmbracă un manifest și dă un ghiont de reflecție asupra exagerărilor absurde în care oamenii trăiesc în unele zone retrase ale pământului.

Bahtai vrea un caiet. Și ia rujul mamei pentru a avea cu ce scrie pe el. Își folosește inteligența vânzând patru ouă pentru a-și atinge scopul și merge la școală, dar nu este primită, ci trimisă acolo unde învață cele ca ea. Fetele. Perspectiva ei este folosită drept unghi indirect critic asupra regimului, pentru că folosind copilul ca martor-personaj reflector-participant regizoarea aduce în prim-plan adevăratele puncte nevralgice. Scenele din "joaca de-a războiul" (ce seamănă izbitor cu Împăratul muștelor) spun mai multe despre ce se întâmplă în lumea prezentă ca o condiție pentru cum va arăta lumea viitoare, cu sferturi de oameni deja orientați inconștient spre continuarea absurdului instaurat ca lege, cu sacrificatori și sacrificați, cu o "joacă de-a războiul" ce va deveni "un război cu care nu e de joacă". Discernământul este inexistent din cauza vârstei fragede și abolit în conturarea lui din pricina fricii și a nevoii de dominație/supraviețuire. Te impresionează simplitatea și suferința sinceră, inocența lui Bahtai care vede joaca dură, dar nu acceptă realitatea și fuge spre a dobândi accesul în zona unde se învață "povestiri hazlii", unde se înfiripă o lume adusă de semne întortocheate pe filele albe de caiet, spațiu resursă și concurent pentru urâta lume de afară.

Dacă poezia și cinema-ul nu ar exista, atrocitățile războaielor lumii moderne ne-ar fi transformat sigur în cele mai sălbatice bestii ale istoriei. Conducătorii pun arme în mâna copiilor de 18 ani ca să se omoare unul pe altul pentru a face lumea mai bună. Într-o astfel de "lume mai bună", sunt recunoscătoare tatălui meu că mi-a pus în mâna camera de filmat.” (Hana Makhmalbaf)

Hana Makhmalbaf avea 19 ani când a realizat acest film (premiat la festivalurile de film de la Berlin și San Sebastian) și unele stângăcii sunt explicabile: uneori umorul subminează credibilitatea, Bahtai sună un clopoțel la școală și nimeni nu o pedepsește sau își lasă fratele acasă legat de pat și nu mai știm ce se întâmplă cu el. Sunt detalii, dar unui profesionist nu îi scapă! Așa cum Sofia Coppola a fost încurajată de tatăl ei, și Hana a avut parte de același tratament, dar se simte clar emanciparea de sub viziunea paternă. Lewis Carroll o crea pe Alice, Mark Twain pe Tom Sawyer, Mario Vargas Llosa pe băieții din Orașul și câinii, J.D. Salinger pe Caulfield în De veghe în lanul de secară, și toți puneau aceeași întrebare în subsidiar: copiii ar trebui să rămână la nivelul poveștilor sau ar trebui folosiți pentru a-i provoca pe adulți să vorbească despre ceea ce acestora le e teamă să vorbească?

duminică, 26 iunie 2011

Receptări cinefile ieșene - "Momente netrecătoare" (Jan Troell)

***Daniela Abageru:

Cinematografia suedeză. Clar una din preferatele mele. Poate din cauza slăbiciunii pe care o am pentru Ingmar Bergman. Sau poate din cauză că școala suedeză de film s-a comportat diferit față de alte școli din imediata apropiere. Când regizorii dintr-o școală cinematografică se raportează la un titan care le-a făcut aproape pe toate, este extrem de dificil să nu cadă în epigonism sau să nu se resemneze. Cinematografia italiană este într-un astfel de colaps: după numele care au consacrat-o, după Fellini, Antonioni, Scola, Rosellini, De Sica, Visconti, Olmi, Bertolucci parcă a secat seva pentru filme mari în zona italiană. Alte spații însă se reinventează, găsesc râuri subterane și rămân fascinante.

Colecția Criterion. Un serios criteriu de selecție care confirmă proba timpului. În inundația de filme de categoria B, C  (și câte alte nivele sub-valorice), o sită serioasă este dificil de aplicat, iar Criterion își asumă un astfel de rol, în parteneriate cu diferite zone de profil, cum ar fi Janus Film sau The Auteurs. Filme rare sunt restaurate și reintroduse în circuitul cinematografic, altele sunt salvate de la uitare, pasionații se raportează cu încredere la scara valorică aplicată de Criterion și își educă simțul critic prin consultarea listelor și a argumentelor lor. Este și o afacere în spate, una care presupune comercializarea filmelor de artă la o calitate deosebită (spre ex.: filmul despre care voi scrie are inclus în Colecția Criterion încă 3 filmulețe - despre viața Mariei Larsson, despre cum a fost realizat filmul și un documentar de o oră despre regizorul suedez Jan Troell). Așa zic și eu lucru făcut cum trebuie, nu călduț! Desigur, vorbim de resurse, de profesionalism, de o mentalitate în care filmul este un mod de a trăi, nu doar de a cultiva o pasiune, dar uite că se poate face foarte serios. Și nu de puțin timp, ci din 1984!

Maria Larsson. O femeie obișnuită cu o falie de insolit în viața ei: fotografia. Prin ea reușește să vadă și să simtă dincolo de condiția ei de soție a brutalului Sigfrid, de mamă a 6 copii, de casnică a cărui timp este aproape în întregime confiscat de treburile zilnice. Este o relatare adevărată despre emanciparea femeii la începutul secolului, despre nașterea fotografiilor și a puterii pe care o au asupra imaginației oamenilor. Țurțurii la care se uită pe la începutul filmului vin cu muzică atașată și Maria observă că există sinestezii vii în natură, deși nu și le poate explica. Doar le simte, își lasă atenția distrasă către ele și apoi le fotografiază. Maria Larsson (jucată impresionant de Maria Heiskanen) își eliberează sensibilitatea creatoare prin artă, aproape în mod involuntar. Camera "Contessa" este câștigată la o loterie, se retrage din viața celor doi soți pe care i-a unit, revenind când o nevoie financiară o determină pe Maria să o vândă. Pedersen, care va deveni îndrumătorul ei, vede la ea o înclinație și o neliniște și o încurajează să fotografieze. Nu înțeleg cum de ia naștere o fotografie! E un miracol! (lecția cu fluturele și imaginea captată în palmă) este începutul unui drum care va deveni adiacent vieții ei până la a-i amenința serios stabilitatea interioară și responsabilitățile: Nu mai vreau camera! E ca și cum fotografia a pus stăpânire pe tot ce este în mine și uit să fiu mamă. Mă transformă într-o altă persoană!

Nu este o artistă cu angoase, nici vreo teoreticiană cu viziune globală, nici vreo analistă abstractă a rolului fotografului în lume, este doar un om fascinat onest de un miracol, de posibilitatea de a-l repeta, paradoxal, în mod unic, de șansa de a fi cu un mic pas înaintea timpului și a trecerii - tot ce este fotografiat are o mai mare șansă de a rămâne, în timp ce toate celelalte trec sau se transformă. Când te uiți prin camera de fotografiat la lumea de afară, ce vezi? O lume întreagă de explorat, de păstrat, de descris și, odată ce ai văzut asta, nu mai e cale de întoarcere. Cei care o văd prin tine nu pot ține ochii închiși. - îi spune Pedersen atunci când ea simte că ființa ei se bifurcă și pierde controlul asupra direcției vieții ei, lăsând asta pe seama fotografiei. Relațiile sunt foarte firești, dar intense: lucrurile se schimbă debordant de repede, esențele se păstrează și vocea narativă a fiicei celei mari dă un plus de autenticitate, căci apare o fibră afectivă asociată venită din participarea la momentele evoluției mamei. Maja, adevărata fiică a Mariei Larsson, a furnizat de fapt toate informațiile pentru film.

Jan Troell (EmigranțiiPământul Nou, Hamsun) filmează fotografiind în filmele sale, este interesat de peisaje umane și nu e neapărat un vizionar. Povestea Mariei este proiectată pe fundalul schimbărilor sociale (capitaliștii și socialiștii), a revoltelor, a mediului din cartierele mărginașe (spațiul extins), iar căsnicia este zona imediată de viață, de multe ori constrângătoare, dar alternând momentele de liniște cu cele de zguduire. Istoria Suediei se împletește cu viața familiei și a emoționantei Maria, care în ciuda aparenței sale fragile se dovedește a fi un munte de om. Unele pasaje sunt construite cu minuțiozitate, cum sunt scenele fotografierii unei fete moarte, a pisicii privind pe geam sau scena când Maria merge cu toți copiii ei la un film cu Charlie Chaplin și, întorși acasă, își fac toți mustață și dansează ca acesta. E ca și cum Maria extinde asupra copiilor deschiderea pe care ea a găsit-o prin fotografie și vrea să împărtășească măcar cu aceștia, dacă nu poate face asta și cu soțul ei. Familia nu se destramă, căci ea o ține bine legată și copiii sunt ascultători, în ciuda micilor răbufniri, iar fotografia ajunge să fie folosită și ca sursă de supraviețuire, nu doar ca delectare. Finalul filmului este cam idilic, într-adevăr, căci bucla se încheie precipitând evenimentele spre concluzii și acestea vin ca o răsplată binemeritată.

Filmul demonstrează că o pasiune te poate ajuta să gestionezi cu alți ochi și cu o altă inimă viața care ți se întâmplă, că bucuriile aduse de creșterea unor pasiuni aduc un plus de energie și de distanță față de tragismul vieții, pentru a-l asimila în dozele "recomandate".

marți, 19 aprilie 2011

Miercuri, 20 aprilie 2011 - 409 - "Samuraiul"

Clubul Cinefililor, cu sprijinul Fundaţiei culturale "Timpul", vă aşteaptă la Casa de Cultură "Mihai Ursachi" a municipiului Iaşi să vizionaţi miercuri, 20 APRILIE 2011 de la ora 18.00, în cadrul unui medalion JEAN-PIERRE MELVILLE:

"SAMURAIUL"
("Le Samourai", 1967 - color - 105 minute)
*subtitrare în română


(Alain Delon) 

*** Ștefan Panțiru:

Le Samouraï (1967) este o capodoperă de minimalism noir, îmbinând simbolurile recurente în filmele lui Melville (pălăria, impermeabilul, armele) cu prestația hipnotică a lui Alain Delon într-un rol care transmite mai mult prin lipsa emoțiilor decât prin manifestarea lor. 

De ce este considerat un film minimalist? În primul rând pentru că din punct de vedere narativ nu prezintă foarte multe întâmplări. În cuvintele lui Roger Ebert, "the movie teaches us how action is the enemy of suspense--how action releases tension, instead of building it."[1], cu alte cuvinte suspansul este creat tocmai prin faptul că personajul se pregătește pentru fiecare confruntare și nu doar fiindcă ia parte la ea. În al doilea rând fiindcă are foarte puțin dialog și o mare parte din timp personajul principal este singur pe ecran. În al treilea rând fiindcă filmul, deși color, este dominat de tonuri cenușii și de spații închise. 

[fig1. Tonuri de culoare mai închise în Le Samouraï decât în alte filme din același gen: 
Leon (1994) sau The Godfather (1972).]

Spre deosebire de filmele de acțiune recente, aici atmosfera este construită mai ales de cadrele statice, cum ar fi cadrul de deschidere, peste care se derulează genericul și citatul din Bushido (care este de fapt scris de Melville). Timp de peste două minute cât durează genericul vedem o cameră înaltă, gri, mobilată simplu și pe cineva fumând într-o parte, ceea ce introduce perfect atmosfera întunecată și ritmul lent al filmului.

În plus, la sfârșitul acestui plan-secvență Melville încearcă un efect optic asemănător cu cel folosit de Hitchcock în Vertigo (1958). "Au lieu de faire un mouvement assez classique de travelling en arrière compensé par un zoom en avant, fondu, collé, j’ai fait ce même mouvement avec des arrêts. En arrêtant mon travelling arrière pendant que je continuais mon zoom, en reprenant mon travelling, etc., j’ai créé un sentiment de dilatation élastique et non pas de dilatation classique, pour mieux exprimer ce sentiment de désordre. Tout bouge, et en même temps tout reste à sa place…"[2]. Cu excepția acestui efect, imaginea rămâne practic neschimbată; și în general secvențele filmului sunt foarte lente. Chiar și în cele mai intense momente, cum ar fi secvența urmăririi în metrou, vedem cel mult cum Jeff aleargă.  

[fig2. Un efect optic de zoom combinat cu travelling înapoi 
creează un sentiment de dezechilibru.]

Filmul este atât de concentrat pe stil încât detaliile narative sunt lăsate pe planul al doilea. Biografia personajului precum și contextul diegetic sunt cel puțin improbabile. Jeff este prezentat ca un "lup singuratic", un ucigaș plătit care nu lasă urme, dar în același timp toată lumea îl vede părăsind și apoi întorcându-se la locul crimei. La fel de neobișnuit pentru un astfel de personaj este să-și implice amanta pentru a-l dezvinovăți, ceea ce înseamnă că are nevoie de o nouă amantă la fiecare lovitură (lucru nu chiar imposibil pentru cineva interpretat de Alain Delon). Într-un cuvânt, Jeff e la fel de discret ca ucigaș plătit precum e James Bond ca agent secret. Personal, mi se pare că din punctul ăsta de vedere Leon (1994) este mai natural, deși are partea lui bună de licență artistică. 

David Thomson în prezentarea sa pentru colecția Criterion, observa: "aflat la marginea absurdității, sau a unei afirmate aroganțe masculine, filmul lui Melville flirtează cu un fel de extremism macho și alunecă în vis și poezie în timp ce noi devenim tot mai alarmați"[3] (tr. n.). Asta dovedește din nou că forma domină conținutul. Nu avem un film veridic din punct de vedere narativ (până și îmbrăcămintea este anacronică, nimeni nu mai purta pălării în 1967), ci avem un film fără context, fără localizare istorică. Jeff nu pare să mănânce vreodată sau să-și schimbe hainele, tot ce vedem sunt sticlele de apă și pachetele de țigări perfect aliniate pe dulap. Ca și la Bob le flambeur (1956), admirăm cu o plăcere vinovată imaginea artificială a eleganței absolute, sporită de aura de mister și pericol asociată cu gangsteri și asasini. Nu este un cinema educativ sau purificator, dar este un cinema poetic și cu stil, inspirat de cultura de consum.

1. Ebert, Roger - 8 iunie 1997, "Le Samourai (1967)". Chicago Sun-Times. http://rogerebert.suntimes.com/apps/pbcs.dll/article?AID=/19970608/REVIEWS08/401010337/1023 (WEB)
2. Citat preluat din DvdClassik Review, Franck Suzanne, 2005, http://www.dvdclassik.com/Critiques/samourai-melville-dvd.htm (WEB)
3. Thomson, David - "Le Samouraï: Death in White Gloves", 2010, http://www.criterion.com/current/posts/391-le-samourai-death-in-white-gloves (WEB)

Vă așteaptă în Copou la întâlnirea cu Alain Delon, 
Echipa Clubul Cinefililor.

duminică, 3 aprilie 2011

Receptări cinefile ieșene - "Patima riscului" (Jean-Pierre Melville)

*** Ștefan Panțiru:

Din Indexul de Activitate al Clubului (disponibil la Legături Cinefile în partea dreaptă) putem vedea că Noul Val francez este solid reprezentat prin Jean-Luc Godard, François Truffaut și Agnès Varda. În completare, avem luna aceasta un regizor care a influențat puternic stilul acestui grup și în special pe Godard.

Jean-Pierre Melville (născut Jean-Pierre Grumbach, 1917-1973) este un regizor francez cunoscut mai ales prin creațiile minimaliste de tipul film noir și considerat un părinte spiritual al Noului Val datorită filmării cu cameră portabilă, a utilizării locațiilor reale și a editării discontinue[1]. Stilul foarte personal al lui Melville combină idei din existențialism și suprarealism cu pasiunea sa pentru filmele americane cu gangsteri și a culturii americane în general (chiar și pseudonimul este un omagiu adus scriitorului american Herman Melville). Un fapt remarcabil este că a început să facă filme fără să fi urmat studii de specialitate sau să fi fost implicat în cinematografie în vreun fel. Fiindcă nu i-a fost acceptată intrarea în Uniunea Tehnicienilor Francezi, și-a întemeiat propriul studio de producție și a turnat primele sale filme (inclusiv Bob le flambeur) cu bugete foarte reduse, adesea cu lungi întreruperi în care încerca să găsească finanțare. Primul său film, Le Silence de la Mer (1946) a fost filmat în 27 de zile în decursul unui an! Însă rezultatul a fost un film original despre cel de-al Doilea Război Mondial, apreciat și astăzi.

Bob le flambeur (1956) este primul film cu gangsteri al lui Melville și primul care este vizibil tributar cinematografiei americane - chiar numele din titlu este mai degrabă american. O altă sursă de inspirație este cultura policier în vogă la acea dată în Franța mai ales datorită romanelor din Série noire, care publica autori americani, precum Raymond Chandler, și francezi, între care Auguste Le Breton. La acesta din urmă a apelat Melville pentru a scrie dialogurile, ceea ce a avut un efect benefic atât pentru calitatea cât și pentru popularitatea filmului, deoarece Le Breton, ca autor din Série, era un nume mai cunoscut la acea dată decât Jean-Pierre Melville[2].

[fig1. În generic, un cadru special este rezervat pentru dialoguri.]

Filmul are în centru un fost gangster acum dependent de jocuri de noroc care se hotărăște să încerce o nouă lovitură după ce își pierde toți banii la ruletă. Însă nu este atât vorba despre gangsteri și despre lovitură cât este despre a întruchipa un gangster american, cu clasă, în Paris. Bob (asemeni lui Melville) se îmbracă cu costum și pălărie ca în filmele americane, conduce o decapotabilă americană și hoinărește noaptea prin cluburi și săli de jocuri de noroc. Iar din când în când se privește în oglindă și își ajustează cravata. Se consideră un gangster dintr-o altă generație și îi compătimește pe cei din prezent care nu sunt decât niște delicvenți. Această atenție acordată înfățișării și manierelor lui Bob (contrastând cu cele ale lui Marc, de exemplu) creează o atitudine reflexivă, oarecum admirativă nu atât asupra gangsterilor din buletinele de știri cât a imaginii unui anume tip de gangster creat în studiourile din Hollywood și a conotațiilor sale în cinema. Se insistă atât de mult pe această latură încât secvența jafului propriu-zis, de care depinde în mod tradițional filmul de acest gen, este practic omisă, un lucru îndrăzneț din partea unui regizor practic necunoscut la acea dată.

În același timp viața de noapte din Paris este viu prezentată, începând cu lunga secvență de deschidere în care prezentatorul (prin chiar vocea lui Melville) ne introduce în lumea "dintre noapte și zi... dintre rai și iad" până la secvența în care Paolo îl vânează pe Marc dintr-un local în altul și în care se construiește un fel de hartă muzicală a străduțelor din Pigalle, Montmartre. Se prezintă un stil de viață mai degrabă provincial în care locuitorii se cunosc între ei, în care polițistul este prieten cu gangsterul, în care poți să găsești pe cineva întrebând din bar în bar. Realismul reprezentării vine în bună parte din faptul că Melville a filmat o parte din scene în locații reale, ceea ce nu era un lucru obișnuit la acea vreme.

Un alt lucru neobișnuit folosit de Melville și care apoi este preluat de Godard și făcut celebru în À bout de souffle este faptul că nu respectă regula clasică de 30 de grade, creând așa-numitele jump cuts. În editarea cu continuitate, folosită în filmele clasice de Hollywood, inclusiv de Frank Capra pe care l-am văzut luna trecută, regula de 30 de grade specifică diferența de unghi minim dintre două cadre consecutive cu același subiect, astfel încât spectatorul să le perceapă ca fiind substanțial diferite. Dacă un personaj este filmat din profil, de exemplu, cadrul următor nu poate fi din semi-profil de la aceeași distanță pentru că schimbarea de unghi nu aduce nimic nou și atrage atenția asupra ei înseși, creând discontinuitate.[3] Melville și mai apoi Godard au încălcat conștient această regulă pentru a crea diferite efecte.

[fig2. Imaginea "sare" înainte și înapoi încălcând regula de 30 de grade
și dezorientând spectatorul.]

Filmul a fost apreciat de critici mai ales pentru "calitatea imperfecțiunilor", cum scria Claude Chabrol într-un articol din Cahiers du cinéma. Neavând un buget consistent și nici experiență în domeniu, era de așteptat ca Melville să se îndepărteze întrucâtva de la stilul consacrat, însă colectivul de la Cahiers observă că aceste constrângeri l-au ajutat, surprinzător, să găsească o exprimare originală: "Le meilleur de son inspiration, il le doit peut-être à son souci d'économie. Il tourne avec des acteurs de second plan et les dirige admirablement, il utilise des extérieurs réels et les montre comme nul ne les a montrés. Si Jean-Pierre Melville n'a rien à dire, il le dit trés bien.(s.n.)"[4]

Mulțumim pentru film!

1. Ebert, Roger - 25 May 2003, "Bob le Flambeur (1955) Review". Chicago Sun-Times. (WEB)
2. Vincendeau, Ginette - 2009 Introducere la "Bob le flambeur", 2009 Optimum Releasing. (DVD)
3. Timothy Corrigan în The Film Experience, 2004
4. Cahiers du cinéma, mai 1957, tome XII, nr. 71 p. 60

duminică, 27 martie 2011

Miercuri, 30 martie 2011 - 406 - "Nu poți să o iei cu tine"

Clubul Cinefililor, cu sprijinul Fundaţiei culturale "Timpul", vă aşteaptă la Casa de Cultură "Mihai Ursachi" a municipiului Iaşi să vizionaţi miercuri, 30 MARTIE 2011 de la ora 18.00, în cadrul unui medalion FRANK CAPRA:

"NU POȚI SĂ O IEI CU TINE"
("You can't take it with you", 1938 - alb/negru - 126 minute)

*subtitrare în română
realizată de Nicu Davidun cinefil dintre noi  

(Edward Arnold, James Stewart, Jean Arthur și Lionel Barrymore) 

***Înainte de începerea filmului va fi difuzat scurt-metrajul realizat de regizorul Thomasz Baginski: Arta decăzută (Fallen Art) (2004) (6 minute).

*** Ștefan Panțiru: 

Prinsă între o depresiune economică și amenințarea unui nou război mondial, America anilor '30 încearcă să-și regăsească valorile naționale și încrederea în spiritul democratic, iar Hollywood-ul, confirmându-și renumele de "uzină de vise", se grăbea să furnizeze idealurile lipsă într-o formă cât mai atractivă. Columbia Pictures, prin regizorul de încredere Frank Capra, se folosesc de acest context, iar filmele lor de la sfârșitul anilor '30  par să caute o lume ideală, fie izolată, asemeni paradisului ascuns Shangri-La din Lost Horizon (1937), fie născută chiar în centrul comunității ca în You Can't Take It With You (1938), în timp ce valorile naționale sunt redescoperite și aduse în lumină cu Mr. Smith Goes To Washington (1939).

Mai puțin fantastic și mai puțin utopic decât Lost Horizon, You Can't Take It With You abordează în esență același subiect: redescoperirea libertății individuale prin renunțarea la lupta pentru ascensiune socială. Martin Vanderhof alături de excentrica sa familie predică o întoarcere la valorile simple ale familiei și refuză să înțeleagă de ce e dator statului atunci când este somat să plătească impozit. La cealaltă extremă, familia Kirby încearcă să dobândească monopol pentru fabricarea armamentului iar ultimul lucru care lipsește în planul lor este să cumpere casa familiei Vanderhof. Redus la esență, conflictul este între socialismului utopic și capitalismul iresponsabil.

Este caracteristic pentru Frank Capra să prezinte lucrurile într-o puternică opoziție, cu valori morale clar afirmate. Nu avem nicio dificultate în a identifica familia lui Alice, cu aspirațiile sale spre libertate, cu preocupările artistice dezinteresate, cu  mulțimea de prieteni, drept eroii poveștii, iar pe soții Kirby, aroganți, fără prieteni, implicați în industria de armament, ca personaje negative. Cele două familii sunt aduse în contact direct atunci când Tony Kirby se îndrăgostește de Alice pentru a pune și mai mult în contrast diferențele de opinie și de comportament. Casa familiei Vanderhof în momentul vizitei neașteptate la cină aduce mai mult a sanatoriu, opunându-se ținutei rigide de la restaurant prezentată în secvența anterioară.

[fig1. Maniere perfecte la restaurant, domnii se ridică să salute noii veniți...]

[fig2. ...în timp ce familia Vanderhof nici nu observă musafirii în casa cuprinsă de haos.]

Apropierea dintre tinerii aparținând unor familii rivale este un subiect consacrat, mergând până la Romeo și Julieta în secolul XVI, însă variantele prezentate în ecranizările lui Capra sunt prin comparație rudimentare, ceea ce sugerează că nu constituie textul ci pretextul filmului. E vorba până la urmă de o comedie și, ca în orice comedie, succesul la public vine în primul rând din valoarea sa de divertisment, din faptul că este agreabil, ușor de urmărit și amuzant. Dacă e să avem un substrat, atunci nu idila interzisă iese în evidență, ci metafora ideologică, pentru că asistăm la un discret experiment social. Într-un moment dificil pentru capitalism, filmul imaginează o alternativă socială - cum ar fi dacă am renunța (aproape) complet la constrângerile sociale și ne-am urma visele. Renunțarea nu este totală, ca în Lost Horizon pentru că Alice are un serviciu normal, ca dactilografă, iar tatăl ei caută metode noi de a-și face publicitate pentru a vinde producția de artificii. Însă asta nu încalcă cele două reguli importante pentru Vanderhof: să nu urmeze valul și să respecte prietenii. De cealaltă parte, conștiința lui Anthony Kirby apasă tot mai greu atunci când falimentează firma unui fost prieten.

[fig3. Camera îl încadrează pe Kirby pe durata întregului discurs al lui Ramsey; 
în prim-plan este conștiința lui Kirby, nu drama lui Ramsey.]

Rezultatul acestui experiment pare să fie pozitiv, pentru că deznodământul filmului reunește cele două familii, însă conflictul dintre cele două clase sociale și, prin extensie, între cele două principii nu este rezolvat, mesajul părând a fi unul de acceptare reciprocă. Poate că e totuși prea mult să așteptăm o rezolvare credibilă de la o comedie de acest gen.

Cele două dimensiuni ale filmului - comicul de situație și evadarea în utopie -  au păstrat până astăzi o bună parte din farmec (dovadă și succesul medalionului la Clubul nostru) deși au fost create să corespundă contextului social și politic interbelic. Comparate cu filmele moderne, în special cu producțiile europene postbelice, filmele lui Frank Capra au o structură narativă oarecum forțată și neverosimilă, însă în ciuda acestui fapt, ele încântă și astăzi cu candoarea romantismului, cu efectele comice și cu exuberanța decorurilor, la fel ca la data apariției. De remarcat și punerea în scenă în relativ sofisticată față de echivalentul contemporan al filmelor de consum.

Mulțumim pentru filmele din acest medalion și așteptăm să aflăm ce ni s-a pregătit pentru luna viitoare!

sâmbătă, 19 martie 2011

Receptări cinefile ieșene - cartea "A Short Guide To Writing About Film", de Timothy Corrigan

Pentru că înțelegerea filmelor depinde și de cultura în domeniu, e important să găsim câteva cărți care să prezinte conceptele de bază sau măcar să ne obișnuiască cu vocabularul de specialitate. Săptămâna asta am să recomand A Short Guide to Writing About Film de Timothy Corrigan, ediția a 7-a, editura Longman, 2010.

[A Short Guide to Writing About Film, de Timothy Corrigan]

În doar 196 de pagini, cartea prezintă sfaturi practice pentru a scrie despre film - de la cum se privește un film pentru prima oară, la cum se citează corect o sursă. Prima parte este legată de felul cum trebuie urmărit și abordat filmul pentru a extrage suficientă informație relevată direct de la sursă. Prima vizionare este de obicei una dezinteresată, expusă direct efectului filmului. A doua vizionare încearcă să identifice trei sau patru secvențe esențiale care stau la baza unei anumite interpretări în curs de formare. Interpretarea poate aborda mai multe perspective: istorică, de școală națională, a unui gen, autor sau ideologii. Odată notițele luate și o idee generală formulată, începe redactarea efectivă a lucrării, iar despre asta se vorbește în a doua parte.

Fie ea raport, cronică sau eseu, o lucrare de calitate trebuie să aibă un stil literar îngrijit, fără repetiții și clișee, cu idei clare și pertinente, susținute acolo unde este posibil de citate și dovezi provenite din surse de încredere. Avem astfel în partea a doua un capitol dedicat stilului, unul dedicat documentării și unul dedicat redactării finale, conținând inclusiv o listă de abrevieri care folosite pentru evalua un comentariu (de ex. "L" - argumentul nu este argumentat logic, sau "paral" pentru o paralelă incorectă). De apreciat că se prezintă și metode concrete pentru a realiza indicațiile prezentate. Spre exemplu, la secțiunea dedicată structurii propoziției sunt ilustrate avantajele unui stil succint față de unul prolix, astfel o propoziție ca: "There are many difficult and demanding scenes in this film by Lina Wertmuller, "Swept Away" (1974), which give the movie an operatic quality." este greu de urmărit, deși conține aceeași cantitate de informații ca și următoarea: "Lina Wertmuller's "Swept Away" (1974) is a demanding, operatic film."

Deși oficial adresată studenților la facultăți de profil, sfaturile sunt extrem de utile pentru oricine are de scris despre film, fie și un scurt comentariu pe IMDB. Iar limba nu cred sa fie o barieră, pentru că sunt foarte puține lucruri care se aplică strict limbii engleze, poate doar câteva detalii de punctuație și exemple de abrevieri.

A Short Guide to Writing About Film și Précis d'analyse filmique (despre care am amintit în câteva comentarii trecute) sunt două cărți extrem de utile pentru o introducere în analiza și comentariul filmului. A doua a fost deja tradusă în română și cred că Octavian are o copie. Cât despre prima, nu știu să fie tradusă, dar se găsește pe Amazon la aproximativ 20 de euro, iar pentru cine nu e sigur de investiție, dar vrea sa o răsfoiască, pot să o împrumut pe a mea în aprilie când ajung în Iași.

Ștefan Panțiru